This publication accompanying his most comprehensive exhibition to date exhibition is Jack O’Brien’s first monograph. Conceived by the artist himself, it complements the exhibition in both form and content, documenting his practice from 2021–2025 and transfers it into a different medium. Developed as an artist’s book it stands in direct relation to the magazine collages in the exhibition. The torn book cover, perforated paper pages, and a shoelace sealed under cellophane make the publication itself a sculptural gesture.

O’Brien negotiates themes such as staging, visibility, queer identity, and the circular dynamic between consumption, body, and performance. The title refers to the English “cue”—a theatrical cue—and at the same time to its repetition. This double meaning reflects O’Brien’s working method, in which material, form, and gesture continually oscillate between suggestion and withdrawal, presence and dissolution. O’Brien works with found and discarded objects, which he transforms through gestures of wrapping, binding, and perforation. His sculptures, installations, and collages use industrial materials such as cellophane, shrink wrap, and synthetic textiles.

The catalogue brings together the first substantial essays on O’Brien’s work. Alexander Wilmschen introduces the exhibition, in which chance becomes the driving force of reordering, and situates O’Brien’s work within the context of queer phenomenology. Kristian Vistrup Madsen examines the sadomasochistic dimensions of the work. Juliette Desorgues reads the sculptures as embodied punctuation. In conversation with Jeppe Ugelvig, O’Brien reflects on his artistic methodology and language.

The result is a monograph which also formally works with the moments of controlled instability that are so striking in the exhibition: floating, supported and warped.

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Die zur bisher umfangreichsten Ausstellung erscheinende Publikation ist Jack O’Briens erste Monografie. Vom Künstler selbst konzipiert, ergänzt sie die Ausstellung sowohl formal als auch inhaltlich, dokumentiert seine Praxis der Jahre 2021–2025 und transportiert sie in ein anderes Medium. Die Monografie wurde als Künstlerbuch entwickelt und steht in direkter Beziehung zu den Magazin-Collagen in der Ausstellung. Der abgerissene Bucheinband, durchlochte Papierseiten und ein unter Zellophan eingeschweißter Schnürsenkel machen die Publikation selbst zur skulpturalen Geste.

O’Brien verhandelt Themen wie Inszenierung, Sichtbarkeit, queere Identität und die zirkuläre Dynamik zwischen Konsum, Körper und Performance. Der Titel verweist auf das englische „cue” – ein theatralisches Einsatzzeichen – und zugleich auf dessen Wiederholung. Diese doppelte Bedeutung spiegelt O’Briens Arbeitsweise wider, in der Material, Form und Geste kontinuierlich zwischen Andeutung und Entzug, Präsenz und Auflösung oszillieren. O’Brien arbeitet mit gefundenen und ausrangierten Objekten, die er durch Gesten der Umhüllung, Fesselung und Durchlöcherung transformiert. Seine Skulpturen, Installationen und Collagen verwenden industrielle Materialien wie Zellophan, Schrumpffolie und synthetische Textilien.

Die Publikation versammelt erste substanzielle Essays zu O’Briens Werk. Alexander Wilmschen führt in die Ausstellung ein, in der Zufall zur treibenden Kraft einer Neuordnung wird, und verortet O’Briens Werk im Kontext queerer Phänomenologie. Kristian Vistrup Madsen untersucht die sadomasochistischen Dimensionen der Arbeit. Juliette Desorgues liest die Skulpturen als verkörperte Zeichensetzung. Im Gespräch mit Jeppe Ugelvig reflektiert O’Brien über seine künstlerische Methodik und Sprache.

So ist eine Monografie entstanden, die auch formal mit den Momenten der kontrollierten Instabilität arbeitet, die in der Ausstellung so prägnant sind: schwebend, gestützt und verzogen zu sein.